年11月28日至年2月21日，龙美术馆（西岸馆）推出邱世华、梁绍基、秦一峰、刘建华和陈彧君5位艺术家的群展“中国色：走向绝对的东方美学”。展览由中国人民大学教授夏可君担任学术主持，艺术策划人、独立艺术顾问萧斌策划。
看完整个展览，最大的感觉是，这些展品几乎什么都没画，但似乎又什么都画了。
给人最大精神冲击的，是艺术家刘建华和邱世华的作品。他们的展品，几乎就是挂在墙上的一张白纸，但他们的“白纸”却白得不同凡响。
刘建华的“白纸”就像一幅全白的油画，但其实，它是一块白色瓷板。刘建华的白瓷绘画看似空白什么都没有，但按照艺术家的讲法，是从一种材质（瓷）到另一种材质（纸）的探寻过程。它不是一幅画，因为有着瓷器的硬度；它的边缘微微卷曲，有着轻微含蓄的微妙触感，提醒你关于材质的重构，这也是东方人对于物质和自然的理解。
刘建华说，素瓷虽然什么都没有，但好像什么都有，因为它会把人的痕迹留下来。在这里，我们看到了白瓷的脆弱和永恒的凝定，看到了中国留白艺术的秘密，感受到中国艺术吊诡与极致的一面。
■刘建华《白纸》瓷年—年
■刘建华讲述他的作品《白纸》
邱世华的作品是一幅画，但也是白得几乎什么也没有，只是画面中隐隐约约有一些类似于树的影子，淡淡的在那里。邱世华的白色绘画看似空白，但平面内部却有着风景的不确定涌现，随着光线和观看角度不同，空白绘画所呈现的景色也会不同，这就是杜尚梦想的“虚薄绘画”,并且打破了具象与抽象、概念与自然的对立。
■邱世华《无题》布面油画年
秦一峰的作品是一种高级灰的摄影，由摄影负片和喷墨输出两部分组成，拍摄的对象是明式家具的“素工”。所谓“素工”，就是不追求雕刻，而是最大程度释放木材本身的质感，用自然与人进行对话，这也是明式家具的内在文化精髓。
秦一峰通过持久耐心等待最合适的自然光线，对素工家具的局部进行拍摄，每件作品的命名都是拍摄时的确切时间和当时的天气状况，而背景都是艺术家特别调试出的灰度。这样的作品已经不再是摄影，而是多重时间的还魂，是多重空间组合的艺术。
■秦一峰的高级灰摄影
陈彧君的作品是把画过的水墨与设色作品撕成碎片，然后再次拼贴组合，让绘画回到动作的自由，回到孩子气的天真与组合游戏，看似凌乱却充满了偶发的机趣。在一切可以重来、可以重组的可能性当中，古典与现代不再是截然的对立，而是出于个体自由的自发组合之中。
■陈彧君的水墨拼贴
梁绍基的作品“可看性”最强，都是白色蚕丝，或包裹着机械，或帷幕般地披挂着。梁绍基的蚕丝作品，第一次让自然成为了艺术，蚕的自身和吐丝成为了山水画的形态，不但是蚕虫的自生自成，还双关性地指向了历史文化山水画的“残剩”记忆，和蚕虫身体的“残余”，这里也回响着汉语内在的智慧。
■梁绍基的蚕丝作品
展览的学术主持夏可君认为，5位艺术家用不同的创作手法、表现形式试图去理解什么是中国式艺术，他们都选择了让自然成为礼物，接续了中国传统的精神价值。他们的作品共同体现了一种“中国白”，一种涌动着无限生机的“虚白”。这种“中国色”不同于西方概念化的单色画、抽象的白色画、日韩当代艺术的“余白”（类似于中国的留白）等，而是一种在虚无——空白、实存——整体之间的悖论式结合。
艺术家们从亚麻、蚕丝、瓷片、银盐胶片或册页宣纸上，体现出中国人对于材质的敏感细腻，但又进入材质与自然的隐秘关联。他们试图让残余的自然成为救赎的契机，在带入技术与观念化的操作后，再次激活自然的隐秘灵性，重建人性与自然的深度关联。
因此，这样的艺术是中国当代艺术不再依赖于西方概念的表现，体现出自然可再生性的智慧，如此自然化的艺术才可以充分体现出中国艺术的绝对贡献。
展览名称
中国色：走向绝对的东方美学
学术主持
夏可君
策展人
萧斌
参展艺术家
邱世华、梁绍基、秦一峰、刘建华、陈彧君
展期
.11.28—.02.21
展览地址
龙美术馆（西岸馆）第六展厅
上海徐汇区龙腾大道号
来源：周到
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